Veranstaltungskalender für die Stadt Leipzig

Eine musikalische Geschichte | Text von Michael Bond | Für Kinder ab 6 Jahren | Eigentlich eine ziemlich absurde Situation: Ein kleiner Bär aus Peru sitzt am Bahnsteig eines Londoner Bahnhofs mit einem Schild um den Hals, auf dem geschrieben steht: »Bitte kümmern Sie sich um ­diesen ­Bären! Danke schön!« Wer kann da schon wider­stehen, insbe­sondere wenn man in seine traurigen Kuller­augen sieht? Schnell beginnt für Paddington in ­London eine Zeit voller spannender Abenteuer. Jetzt hat es ­Paddington sogar in den Konzertsaal geschafft, wo er gemeinsam mit seinen jungen Freunden die Welt der klassischen Musik erkundet.Jedes Kind kennt den Paddington Bär. Die nach dem gleichnamigen Londoner Bahnhof benannte Kinder­buchfigur mit ihrer Vorliebe für Marmelade und Bitter­orangen eroberte seit ihrer Erfindung im Jahr 1958 die Kinderherzen weit über die Grenzen ­Englands hinaus.

in einer Bearbeitung von Ulrich Zaum, 7plus | Schon seltsam, wenn da mitten in der Nacht ein Junge in deinem Kinderzimmer landet, der wild umherfliegt und ein ziemliches Chaos veranstaltet, um seinen eigenen (!) Schatten wieder einzufangen. Zudem wird dieser Verrückte auch noch begleitet von einer plappernden, leuchtenden, umherlichternden Knutschkugel namens Tinkerbell. Absolut mysteriös! Aber Wendy Darling ist eben nicht wie andere Mädchen: Neugierig steckt sie die Nasenspitze unter der Bettdecke hervor und hilft diesem Typen, der sich Peter Pan nennt, seinen Schatten wiederzubekommen. Zum Dank lädt er Wendy ein, mit ihm ins Nimmerland, der Insel einer Ewigkeit, zu kommen (na klar ..., denkt sich Wendy), wo er Anführer der verlorenen Jungs ist (doppel-na-klar ...) und das auch noch, indem Wendy selbst dorthin fliegt (Waaaaas?!)!Der Rest - der tollpatschige Tootels, die wilden Piraten, das tickende Krokodil und der gefürchtete Käpt’n Hook - ist weltbekannt. Intendant Jürgen Zielinski bringt Peter Pans berühmte Abenteuergeschichte von James M. Barrie über die Macht der Phantasie und den oft nicht leichten Abschied vom Kindsein für jüngere, ganz junge, ältere, ganz alte und, vor allem, ewige Kinder auf die große Bühne des TdJW.

Nach dem Bilderbuch von Karla Schneider; In einer Inszenierung für Puppentheater, 5plus | Gebrüder Grimm reloaded! Zwei Kinder überbieten sich spielerisch mit Varianten der Grimmschen Märchen »Rotkäppchen« und »Die sieben Geißlein«. Sie setzen die altbekannten Geschichten in neues Licht. Was würde ich anders machen, wenn ich der Wolf wäre? Was, wenn ich der Jäger wäre oder die Großmutter? Können Wolf und Geißlein nicht Freunde werden? Doch der Streit reicht tiefer. Es geht auch um einen Jungen und ein Mädchen, die sich gegenseitig erschrecken und bezaubern. Mit dem Wörtchen »Wenn ...« öffnet sich ein Spielplatz für Puppen und Menschen, der beweist, wie lebendig Märchen immer noch und immer wieder sind.Karla Schneider wurde 1938 in Dresden geboren. Nach einer Ausbildung zur Buchhändlerin und freier journalistischer Tätigkeit bis 1979 übersiedelte sie nach Wuppertal und arbeitet seitdem als freie Schriftstellerin. 2008 erhielt Karla Schneider den Alex-Wedding-Preis der Berliner Akademie der Künste für ihr umfangreiches kinder- und jugendliterarisches Werk.

für die Bühne bearbeitet von Stephan Beer und Georg Burger | »In China, weißt du ja wohl, ist der Kaiser ein Chinese, und alle, die er um sich hat, sind Chinesen. Es ist nun viele Jahre her, aber gerade deshalb ist es wert, die Geschichte zu hören, ehe sie vergessen wird. Des Kaisers Schloss war das prächtigste der Welt, ganz und gar von feinem Porzellan, so kostbar, aber so spröde, so misslich daran zu rühren, dass man sich ordentlich in acht nehmen musste. Im Garten sah man die wunderbarsten Blumen, und an die allerprächtigsten waren Silberglocken gebunden, die erklangen, damit man nicht vorbeigehen möchte, ohne die Blumen zu bemerken. Ja, alles war in des Kaisers Garten fein ausgedacht, und er erstreckte sich so weit, dass der Gärtner selbst das Ende nicht kannte; ging man immer weiter, so kam man in den herrlichsten Wald mit hohen Bäumen und tiefen Seen. Der Wald ging gerade hinunter bis zum Meere, das blau und tief war. Große Schiffe konnten unter den Zweigen hinsegeln, und in diesen wohnte eine Nachtigall, die so herrlich sang, dass selbst der arme Fischer, der so viel anderes zu tun hatte, stillhielt und horchte, wenn er nachts ausgefahren war, um das Fischnetz aufzuziehen. ‚Ach Gott, wie ist das schön!‘, sagte er.»So erfährt dann auch der Kaiser von China endlich, dass in seinem Reich ein Vogel lebt, der so außergewöhnlich schön singt, dass sogar der Kaiser von Japan vor Neid erblasst. Er lässt die Nachtigall suchen und hält sie fortan in seinem Palast fest. Doch die Nachtigall verstummt — in Gefangenschaft, ohne ihre Freiheit kann sie ihren wunderschönen Gesang nicht entfalten.Mit seinem Kunstmärchen, in dem außerdem mit einer mechanischen Nachtigall versucht wird, den schönen Gesang der echten Nachtigall zu ersetzen, gelang Hans Christian Andersen eine poetische Parabel über die Freiheit der Kunst. Und deren Seele.

Stubenhocker Produktionen, ab 2plus, Premiere | Mika ist zurück: Nach dem Ausflug auf den Bauernhof und dem Ausflug in den Traumwald erlebt das muntere Kind wieder aufregende Abenteuer – natürlich zusammen mit seinem Kompagnon Peppi. Genaues wird aber noch nicht verraten...

Mit Live-Musik | Uraufführung, 6plus | Rosi und Nicobobinus sind die allerbesten Freunde. Beide sprühen vor Neugier und Abenteuerlust. Sorglos wie sie sind, jagt eine Überraschung spielend die andere. Doch dann wird es ernst! Sie geraten an einen Mann, mit dem nicht zu scherzen ist - von seinen Berührungen werden Nicobobinus’ Hand, Fuß und Nacken zu Gold. Das ist nicht nur unangenehm, sondern auch extrem gefährlich. Denn nun sind die übelsten Schurken geldgierig hinter den beiden her. Das einzige, was Nicobobinus helfen kann, ist Drachenblut. Also stürzen sie sich in ihr größtes Abenteuer: Das ferne Land der Drachen zu finden.Bekannt ist Terry Jones vor allem als Schauspieler aus den genial komischen Monty Phyton Filmen. Hierzulande fast unbekannt dagegen ist der Kinderbuchautor Terry Jones, der in England als echte Größe gilt. Seinen 1985 erschienenen »Nicobobinus« hat nun Katrin Lange fürs Theater neu bearbeitet. Als Autorin für große Kinderstoffe ist sie am TdJW regelmäßig u.a. mit »Ikar« oder »König der Kinder: Macius« in Erscheinung getreten.

7plus | It’s summertime! Und das bedeutet für Esme, dass sie Oma und Opa besucht. Darauf freut sie sich schon Monate vorher - gemeinsame Spiele und Wanderungen am Meer. Als Esme diesen Sommer ankommt, kann sie allerdings ihre Oma nirgends finden. Weder in der Küche, um Kohl zu kochen, noch im Garten, um die drei fetten Hühner zu füttern. Opa sagt, dass Oma Queenie ausgegangen ist. Seltsam ... Und dann erzählt ihr Opa sogar, dass Oma zum Zirkus ging, um als Seiltänzerin mitzureisen. Das wäre schon immer ihr tiefster Wunsch gewesen. Esme bleibt skeptisch. Weshalb hat Oma ihren Schirm, den sie immer bei sich trägt, nicht mitgenommen? Der wäre doch eine prima Hilfe beim Balancieren auf dem Seil. Und ihr Kochbuch hat sie ebenfalls dagelassen, obwohl sie doch auch bestimmt für die Clowns kochen muss. Nur ein Besuch im Zirkus kann hier Klarheit bringen ...Mike Kenny ist mit seinen Theaterstücken für Kinder und Jugendliche seit Jahren international erfolgreich. Er gewann zahlreiche Dramatikpreise in Großbritannien, Kanada und Deutschland. In seinem poetischen Stück »Die Seiltänzerin« umkreist er konkrete Fragen des Lebens. Für das Puppentheater inszeniert das Stück TdJW-Ensemblemitglied Julia Sontag, die mit dieser Premiere ihr Regiedebüt zeigt.

Ein kleiner Zoo mitten im Wald, eine beschauliche Oase, ein wahres Idyll. Was braucht man mehr, um glücklich zu sein. Doch an den durchorganisierten Alltag der fröhlichen Tiere muss sich der junge Bär erst gewöhnen. Im fernen Sibirien eingefangen, ist er neu in der Welt von Mama und Papa Pavian, Herr und Frau Mufflon und Murmeltiermädchen. Gewohnt an seine Freiheit schaut der Bär sehnsüchtig über den Zaun. Genau wie das Nashorn. Das war durch ständigen Trübsinn unangenehm aufgefallen. Und mit dem Bären wird es noch schlimmer, je mehr er über die gestreiften und gestiefelten Zweibeinigen auf der anderen Seite des Zauns erfährt. Es klingt unglaublich, aber einen Zoo gab es im Konzentrationslager Buchenwald wirklich. Und in diesem spielt »Was das Nashorn sah ...«, aktuell das meist gespielte Kinderstück über die Zeit des Nationalsozialismus. 2014 mit dem Deutschen Kindertheaterpreis ausgezeichnet und 2016 zu den renommierten Mülheimer Theatertagen eingeladen, ist es ein starkes Plädoyer für Zivilcourage und gegen das Vergessen.

Kinderopern-Premiere | Kinderoper nach dem Märchen der Brüder Grimm | Text vom KomponistenFür Kinder ab 6 Jahren

Ein neues Stück für Allerkleinste | Eine deutschgeorgische Koproduktion des Nodar Dumbadze Professional State Youth Theatre Tiflis und des TdJW Leipzig | Uraufführung | Ein Hund macht »Wau Wau«. - Ein Hund macht »Ham, Ham«, das weiß doch jedes Kind. Genauso wie jeder weiß, dass der Hahn »Kiklikooo« macht! - Quatsch! »Kikeriki« macht der Hahn. - »Kiklikooo« natürlich! - »Kikeriki«! - Moment! »Kikerikooo« vielleicht? - Ok. Aber nur, wenn unser Hund »Wam Wam« macht? - Einverstanden.Für Kinder hat Sprache keine Grenzen. Theaterprojekte sollten auch keine haben! »Splikifant« - eine Zusammensetzung des georgischen und des deutschen Wortes für »Elefant« - ist eine neue internationale Theater-Koproduktion des TdJW. Diesmal für die Allerkleinsten! »Splifikant« beschäftigt sich mit der Klangwelt von Kleinkindern in Georgien und Deutschland. Wie lernen Kinder in unterschiedlichen Ländern sprechen, welche Laute werden zuerst gesprochen, wie entstehen Phantasiesprachen? Das aus der Zusammenarbeit entstehende Stück wird im Dezember 2018 zunächst in Tiflis und dann im April 2019 in Leipzig uraufgeführt.

Premiere | Hans Holzbecher, Schauspieler, Regisseur, u.a. seit 11 Jahren Hausregisseur am Düsseldorfer Kommödchen stellt sich zu allem entschlossen mit einem Schmetterlingsnetz zur Nashornjagd.Einzufangen ist nicht weniger als die Realität. Also die, die Holzbecher zu einem großen Teil bisher als Kompaß diente. Sie wird entschieden schlüpfrig, und das auf erschreckend konsequente Weise. Und wenn ihn das tagesklinische Gefühl nicht trügt, dann stellt sich folglich die Frage: ist er nur oder wartet er auf Besuch? Ist Wahnsinn, wenn er von vielen geteilt wird, schon eine Realität? Ist ein Dax-Vorstand schon Viele? Oder Kim-Jong-Un? Und wenn einer Viele ist, hat dann Berti Vogts recht, wenn er sagt „Die Realität sieht manchmal anders aus als die Wirklichkeit!“? Oder sein Kumpel Klaus, der sagt „Realität ist eine Dienstleistung! Ich bau Dir das!“ Oder seine Jugend an der holländischen Grenze: „Realität ist der unbefriedigende Zustand, wenn das Dope alle ist.“ Oder hat wie so oft Lothar Matthäus recht mit seiner Metapher „Wäre, wäre, Fahrradkette!“?Holzbecher sucht nach dem, was trennt und verbindet, leidenschaftlich in sich, in erhellend verrückten Figuren, in Innern der Republik, im Blick über ihre Grenzen, in Vergangenheit und Zukunft und im Chaos des Jetzt.Analytisch, spielend, singend und sinnend durchpflügt er die Ängste, Idiotien und Abgründe, die mit den Newstickern unserer Zeit um die Wette laufen.

Bernhard Biller und Jürgen Fliegel - PREMIERE | Endlich nehmen sich Biller & Fliegel wieder Deutschlands beliebtestes Thema zur Brust: Krankheit. Oder bleiben wir optimistisch, Gesundheit. Hypochonder oder nur besorgt? Recycling-Vorsorge, IGel-Arzt, blaue Pillen in Blumenvasen, ein singendes Kondom, Strafzettel mit Huhn, Daumenlutscher oder einfach Gesundschlemmen. Hier kommen die Antworten auf viele quälende Fragen. Mit Musik, Tanz und Schlägerei. Biller & Fliegel, wer sonst!       Bei Risiken und Nebenwirkungen – schieben sie es auf Ihren Arzt oder Apotheker.

Premiere | Die Zeit! Für den Einen vergeht sie zu schnell, der Andere möchte sie totschlagen. Sie heilt alle Wunden, es gibt sie in gut und in schlecht – sogar in Mehrzahl. Und sie ist angeblich der Grund, wie wir ticken. Denn in der Zeit zu sein, ist nicht nur eine Frage des Timings.Doch keine Panik: 5 vor 12 ist schon vorbei! Also nehmen Sie sich die Zeit, denn zu spät wird’s früh genug!Ein Programm durch Raum und Zeit.Regie: Simone Danaylowa

Premiere | Wer kauft schon gern die Katze im Sack? Wer hofft nicht darauf, dass die Politiker auch mal die Katze aus dem Sack lassen? Wieso denkt man beim Hausdrachen immer zuerst an die eigene Frau? Moni & Manni stellen sich unseren Alltagsproblemen genauso wie den großen Fragen der Zeit.Gewohnt fröhlich, gewohnt bissig. Mit entwaffnendem Humor und mit traumhaften Gesangseinlagen. Und Achtung: Wer sich tatsächlich einen Drachen ins Bett holt, sollte einen Feuerlöscher griffbereit haben.

PREMIERE mit Carolin Fischer, Anke Geißler, Ralf Bärwolff und Holger Güttersberger | Weniger ist mehr? So ein Quatsch. Mehr ist mehr! Die academixer laden zur Testamentseröffnung. Darin stehen: die Erben. Das sind Sie. Ja, Sie. Wir alle. Zu erben gibt es nicht nur die Scheine aus Oma Traudels Kopfkissen, sondern auch die Schulden von Onkel Rudi. Die Gene von Mama und Papa, deutsche Elbtäler und ägyptische Pyramiden, die Trümmer eines größenwahnsinnigen Österreichers mit strengem Scheitel, Fortschrittliches wie die Anti-Baby-Pille und den Otto-Motor, die Helden der Weltliteratur und die Verlierer der Geschichte – und natürlich alle Wunder der Natur. Nehmen sie das Erbe an. Ihr Anteil ist keineswegs lächerlich. Aber zum Lachen.

Premiere | Gute Manieren? Kannste heutzutage kniggen! Deshalb ruft Weltkritik deluxe: »Rette die Etikette!» Sie bieten Rat für alle Lebenslagen: Wie hilft der Gentleman einer Dame möglichst schnell aus dem Kleid? Wie kann man als Internet Troll schöner pöbeln? Der modisch unterversorgte Reichsbürger erfährt, wie er durch die geschmackvolle Kombination von Handfeuerwaffe und Camouflageweste seine Verachtung der Demokratie noch wirkungsvoller zu Schau stellen kann. Und zu wissen, wie man bei Tisch das Messer richtig hält, hat noch nie geschadet - gerade im Nahkampf. Das neue Programm von Bettina Prokert und Maxim Hofmann ist ein musikalischer, fröhlicher und äußerst satirischer Benimmkurs für Verhaltensauf-und Rückfällige. Slapstick, Sprachwitz, Chansons, kabarettistische Szenen und Improvisationen sind die Zutaten ihres Bühnengebräus, das das Publikum regelmäßig begeistert.

Premiere - Theaterabenteuer für Menschen ab 8plus nach dem Kinderbuch von Els Pelgrom | Zum ersten Mal wird am Westflügel Leipzig, einem der renommiertesten Figurentheaterzentren in Deutschland, ein Stück für Kinder ab 8 Jahre Premiere feiern. Es ist die Figurentheaterfassung des ergreifend schönen, mehrfach preisgekrönten Kinderbuchs »Die wundersame Reise der kleinen Sofie» von Els Pelgrom. Das junge Figurentheaterduo Lehmann und Wenzel und die Spielerin Pauline Drünert erarbeiten unter der Regie von Christiane Zanger die Inszenierung und feiern Premiere am 31. August, 18 Uhr, im Westflügel Leipzig, Hähnelstr. 27 (Lindenau).Es geht um die Erfüllung von Sofies größtem Wunsch: Alles. Ja, alles! Und die Zeit drängt.Ihre besten Freunde, allesamt Bewohner ihres Spielzeugschrankes, handeln eines Nachts. Für das Mädchen, das seit langem todkrank im Bett liegt, beginnt eine nächtliche Abenteuerreise. In Begleitung ihrer Freunde Langer Lappen und Kater Terror kann sich Sofie trauen, die Wirklichkeit, wie sie auch immer sei, anzunehmen und nicht vor ihr davon zu laufen. In einer einzigen Nacht erfährt Sofie an Schönheit und Schrecken so viel über sich und das reiche Leben, dass es ihr, auf hoher See in Gischt und Sturm, leicht fällt, beides loszulassen. Und das Wunderbarste: Die Reise geht weiter.Geht es darum, die falsche Wahl zu vermeiden, klug zu sein, heldenhaft? Wir glauben, nicht.Lehmann und Wenzel [Leipzig] und Christiane Zanger [Stuttgart]Spiel, Musik, Ausstattung: Pauline Drünert, Samira Lehmann, Stefan WenzelRegie, Textfassung: Christiane ZangerKoproduktion mit dem Westflügel Leipzig und dem FITZ! StuttgartAufführungsrechte beim Verlag für Kindertheater Weitendorf GmbH Karten: 10,- | 15,- | 20,- Euro

Eine Solo-Performance von Angelika Waniek | Premiere | Es ist ja so: Mit dem Schlucken von Schwertern kommt das Werfen von Messern. Und mit dem Werfen von Messern kommt das Bewegen eines Gegenstandes von A nach B. Dazwischen platzen Glühbirnen.„Die zersägte Frau“ ist ein Spiel mit der Illusion. In einer Interaktion von Objekten, Körper und Sprache wird Unsichtbares sichtbar. Zauberei ist auch dabei: Dinge schweben, etwas wird aus dem Nichts produziert, Körper werden getrennt und das Körperlose kommt zum Vorschein.Konkret: Es ist der Körper einer Frau, der hier zerschnitten, zerkleinert, als Zielscheibe genutzt, gezerrt, zum Verschwinden gebracht wird und als Ganzes wieder auftaucht.Konzeption & Performance: Angelika WaniekBühne: Doris DzierskVorverkauf in der Schaubühne, an allen bekannten VVK-Stellen und überwww.schaubuehne.com: 12 / 8 (erm.) Euro, Abendkasse 12 / 8 (erm.) Euro

14plus | Julie und August lernen sich in den anonymen Welten des Internets kennen. Es ist ein Chatroom, in dem die beiden Teenager zueinander finden. Beide sind dort auf der Suche - nach Gleichgesinnten, nach einer Form von Glück, nach echten Alternativen zu ihrer Realität. Denn wenn man ehrlich ist, am wahren Leben lässt sich doch nur zweifeln. Schnell steht fest, dass sie eine Sehnsucht teilen. Die Sehnsucht nach dem selbstgewählten Tod. Diese letzte Reise wollen sie nun gemeinsam machen. Dafür verabreden sie sich am Rand der Welt, in Norwegen, wo die Klippen hoch und die Fjorde tief sind. Doch mit dem Blick in den Abgrund entdecken sie etwas ganz und gar Ungeheuerliches: das Leben.»Norway.Today« von Igor Bauersima gehört längst zu den Klassikern des zeitgenössischen deutschsprachigen Jugendtheaters. Für Philipp Oehme, seit 2017 Mitglied im Schauspielensemble des TdJW, ist es die erste Regiearbeit in Leipzig. Mit der Premiere wird zugleich der Repertoirespielbetrieb im neuen Kleinen Saal eröffnet.

nach Jean Cocteau | im neuen Treppentheater inszeniert von Olav Amende | Premiere | „Woher nähme ich die Kraft, mir eine Lüge auszudenken? - Es gibt ja Gelegenheiten, in denen eine Lüge gut und nützlich ist.“Eine Frau hält einen Telefonhörer in der Hand. Er ist ihr einzig noch verbliebener Zugang zu einem geliebten Gegenüber, das sie verlassen hat. Sie weiß: So lange sie spricht, so lange sie nur die Stimme hört, wird sie ihr nicht entschwinden... Olav Amende inszeniert Jean Cocteaus berühmtes Monodrama als ein verengtes Kammerspiel, in welchem das Sprechen in seiner existentiellen Funktion widerhallt. Die minimalistische Handlung öffnet den Raum für eine psychologisch intensive Innensicht eines verzweifelt liebenden Menschen. Für die Inszenierung an der Schaubühne Lindenfels wurde eine neue Textfassung konzipiert, in der Wiederholungen und Stille den Sprechfluss rhythmisieren. Als Echo der verklingenden Erinnerung an die Geliebte Stimme wird die Inszenierung von Live-Musik umrahmt.Schauspiel: Annika GerberRegie: Olav AmendeMusik: Gwen KyrgFotos: Ruslan Hrushchak (www.ruhru.de)

präsentiert von der Jungen Mitteldeutschen Kammeroper e.V. | Nach der erfolgreichen Debütproduktion Colas, der Schauspieldirektor von Wolfgang Amadeus Mozart im Februar 2017, gibt es in diesem Jahr eine Neuinszenierung der Oper Il Barbiere di Siviglia von Giovanni Paisiello aus dem Jahr 1782. Das Ensemble der Jungen Mitteldeutschen Kammeroper besteht aus angehenden Berufsmusiker*innen aus ganz Europa.Oper von Giovannis Paisiello & Giuseppe PetroselliniMitwirkende: Junges Mitteldeutsches KammerorchesterMusikalische Leitung: Friedrich PraetoriusBühne: Detlef HobbiebrunkenRegie: Max HohmannEinlass: 19 Uhr

Premiere | Eine glamouröse Revue zwischen Kabarett und Varieté, zwischen Gesang und Conference, abwechslungsreich und hinreißend komisch. Aus Schaden wird man klug. Blödsinn sagt sich Sachsendiva Katrin Troendle und outet sich als Wiederholungstäterin. Die Diva widmet ihr neues Programm allen, die gern einmal über die Stränge schlagen, Konventionen übertreten und es lieben unbequem zu sein.  Nach gründlicher Recherche stellt die Troendle fest, dass die Hart-Weich-Schwäche der sächsischen Männer ausschließlich verbalen Charakter hat und dass, nicht weniger mehr ist, sondern mehr ist mehr. Es gibt ein cooles Frauenleben ab 50. Jetzt erst recht. Magic-Mandy verzaubert unerledigte To-Do-Listen in Champagnerflaschen. Peggy schwadroniert über organische Müllentsorgung, die Vorteile des Älterwerdens und zählt die Tage bis zum Auszug der Kinder. Authentisch spielt die Troendle Menschen mit Macken und Eigenarten, die etwas wagen und wenn das Vorhaben gewaltig in die Hose gegangen ist, sich sagen können: Ich würde es wieder tun.  Immer an ihrer Seite brilliert ihr kongenialer Begleiter Jan Mareck als Pianist und Conférence - Counterpart.  Regie: Simone Danaylowa

Leipzig-Premiere | In „Power House“ verweben die in Berlin lebenden britischen Musikerinnen* und Medienkünstlerinnen* Jam Rostron/Planningtorock gesungene und gesprochene Sprache, elek­tronische und akustische Livemusik, Performance und Video zu einer Art Musical in vier Akten. In der feministischen Tradition, das Persönliche mit dem Politischen zu verschränken, suchen sie mit „Power House“ nach Möglichkeiten eines direkten, nicht konfrontativen Erzählens vermeintlich privater Erlebnisse. Entlang eigener biographischer Erfahrungen verhandeln sie bestehende Einschränkungen der Rechte von Menschen mit Behinderung. In ihrer Musik sprechen sie die komplexen Interferenzen von Geschlecht, Klasse und Bildung und deren Auswirkungen auf Zugänglichkeit und Ressourcenverteilung auf explizite Weise an.In „Power House“ überlagern sich humorvolle und gleichzeitig intime Szenerien autobiographischer Ereignisse mit Gesten des Sorgens, alternativen Formen der Zusammengehörigkeit und Strategien des politischen Aktivismus. In familiärer, unhierarchischer Haltung gibt die Produktion dem Cast aus Choreographin*, Performerin*, Musikerin*, Videokünstlerin* und Lichtdesignerin* Raum für konkrete Narrative und eigene Artikulationsweisen. Mit tanzbaren Beats, komisch und bestimmt, kreiert „Power House“ eine gemeinschaftliche Welt theatraler Körper und intuitiver Sprache.

Käthe Kollwitz Werk und Gerhart Hauptmanns »Die Weber« | erweiterte zugeständnisse leipzig/wien | Ein (Theater-)Stoff, gewebt von der Compagnie »erweiterte zugeständnisse leipzig/wien» aus bildender Kunst, Dramatik und Zeitgeschichte. Käthe Kollwitz’ Werk und Gerhart Hauptmanns „Die Weber». Aus zweidimensionalen Graphiken werden dreidimensionale Theaterszenen. Skulpturen beginnen zu atmen.Schauspiel: Verena Noll, Laila Nielsen, Johannes Gabriel, David JekerRegie: Friederike KöpfMusik: Robert RehnigEine Produktion von erweiterte zugeständnisse leipzig/wien in Kooperation mit der Schaubühne Lindenfels. Gefördert von der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen.

Premiere | Am Ende seines Lebens blickte Goethe auf über fünfzig Jahre der Beschäftigung mit dem Faust-Stoff zurück: Von den 1770er Jahren bis kurz vor seinem Tod 1832 arbeitete er an dem Stoff, dem er in seiner Jugend als Puppenspiel erstmals begegnete und der dann sein schriftstellerisches Leben dominierte.  Zwei Dramen schuf Goethe aus dem Stoff: den Faust I, erschienen 1806, und den Faust II, kurz vor dem Tod beendet, aber erst für die Nachwelt veröffentlicht.Das Schauspiel Leipzig wird sich, in Weiterführung der inszenatorischen Doppelbefragungen der vergangenen Spielzeiten, den beiden Teilen des „Faust“ verschieden nähern — und sie unterschiedlich präsentieren: „Faust I“ wird als Inszenierung auf der Großen Bühne stattfinden und zudem die Leipziger Arbeit mit Chören fortsetzen. Für den II. Teil verlassen wir das Schauspielhaus und die klassische Theatersituation — und splitten den Theaterabend auf in drei parallele Themen-Touren hinein in die Stadt Leipzig, angeleitet vom Interesse, welche Themen aus dem „Faust II“ uns nach wie vor beschäftigen und welche Verbindungen sich aus dem Stoff ins Heute ziehen lassen. Die Touren starten am Schauspielhaus und finden parallel statt; pro Aufführung kann nur an je einer Tour teilgenommen werden. Den Schluss des „Faust II“ erleben dann alle drei Touren wieder gemeinsam im Schauspielhaus.An acht Spieltagen sind Faust I & Faust II nacheinander zu erleben, ebenso an acht Tagen allein der Faust I, ohne den Teil II und ohne die Touren. Weitere Informationen zur Inszenierung und den beiden Teilen des FAUST im Folgenden.

Opernpremiere | Puccinis siebte Oper führt uns in ein einsames Goldgräbercamp im Wilden Westen – ein bis dato ungewöhnlicher Schauplatz für eine Oper! Das Zusammenleben in dieser rauen Männerwelt ist bestimmt von einer klaren Hackordnung unter Führung von ­Sheriff Jack Rance, der die Tristesse der Prärie mit Machtmissbrauch und Willkürherrschaft kompensiert. Die ­Suche nach dem Gold wird für die Männer zum Sinnbild für eine tiefe Sehnsucht, die unter der harten Schale des Arbeitsalltags liegt, für die Suche nach dem Sinn des menschlichen Daseins, fern der Heimat, fern der Familie. In dieser Welt verkörpert Minnie die Hoffnung auf ein anderes Leben. Für die Goldgräber ist Minnie ­Mutter, Schwester, sexuelle Projektionsfläche und reiner Engel zugleich. Als plötzlich ein Fremder in das Camp eindringt, gerät die Ordnung ins ­Wanken, ­zumal eine dunkle Vergangenheit auf ihm lastet und Minnie, die sich in ihn verliebt hat, öffentlich für ihn eintritt. Ist auch ihm das Recht auf eine zweite Chance und ein neues Leben mit Minnie vergönnt?Mit seiner Goldgräberoper taucht Puccini – ähnlich wie zuvor mit »La Bohème« oder »Madama Butterfly« – in ein klar umrissenes Milieu ein, für das er ein spe­zifisches musikalisches Kolorit kreiert. Auf den ersten Blick erscheint es naheliegend, als Auftragswerk für die Metropolitan Opera New York eine »Westernoper« im Breitwandformat zu schreiben. Allerdings kommen hinter der romantischen Fassade der ins goldene Abendrot getauchten Cloudy Mountains die zentralen Fragen der menschlichen Existenz zum Vorschein.Oper in drei Aufzügen | Text von Guelfo Civinini und Carlo Zangarini,nach dem Schauspiel »The Girl of the Golden West« (1905) von David Belasco In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

PREMIERE | mit Mitgliedern des Schauspielensembles und des Theaterjugendclubs | Zwei Jahre sind vergangen, seit die 16-jährige Ännie verschwunden ist. Zwei Jahre, in denen die Zeit wie stehen geblieben scheint. Denn die Gespräche kreisen nach wie vor um das spurlose Verschwinden dieses Mädchens. Ein Mädchen, über das seit jeher viel gesprochen wurde: Als uneheliches Kind in einer Affäre gezeugt, von einer alleinerziehenden Mutter am Rand der Gesellschaft aufgezogen, galt sie als hochbegabtes Genie und war zugleich Außenseiterin und Faszinationsobjekt — und wird es in ihrer unerklärlichen Abwesenheit nur umso stärker.Die Ungewissheit um Ännies Verbleib verführt die BewohnerInnen des aus der Zeit gefallenen Ortes zu den unterschiedlichsten Spekulationen: Als Islamistin sei sie in den Krieg gereist, nein, als Rechtsradikale untergetaucht, nein, Opfer eines brutalen Gewaltverbrechens sei sie geworden oder habe selbst eines begangen, nein, alles sei lediglich inszeniert und sie lebe wie Elvis und Jim Morrison friedlich und zurückgezogen auf einer fernen Insel.Den tatsächlichen Grund für Ännies Verschwinden kann unterdessen auch der privat ermittelnde ehemalige Polizist Fred, der sich als biologischer Vater wähnt, nicht aufklären. Denn die Erinnerungsschnipsel der Lehrerin, des Dealers, der einstigen KlassenkameradInnen, ihrer wirren Mutter Romy oder Pierres, ihres damaligen Freundes oder Lovers, wer weiß das schon genau, zeichnen widersprüchliche Bilder dieses rätselhaften Mädchens.Und so avanciert Ännie in ihrer mystischen Abwesenheit zur omnipräsenten Projektionsfläche der sie umgebenden Figuren, die der Wahrheit mit ihren Mutmaßungen zwar nicht näher kommen, darüber aber viel über sich selbst erzählen und ihre eigenen Abgründe, heimlichsten Ängste und innersten Sehnsüchte offenlegen.

Operette in zwei Akten mit Vor- und Nachspiel | Für Geld kann man alles kaufen! Dieser ­Überzeugung ist zumindest Mary Lloyd, Milliardärstochter aus ­Amerika. Sie wettet mit ihren Freundinnen aus dem Young Ladies Eccentric Club, einen Prinzen samt König­reich mit ihren Schecks erstehen zu können. Und da es echte Prinzen nur noch in Übersee gibt, begibt sich Mary für ihre Mission ins alte Europa – im Gepäck eine Jazzband, deren Musik schon bald die ­Tanzlokale von Budapest bis Wien beherrscht. Als Mary in ­einem dieser Etablissements auf Sándor Boris trifft, Erbprinz des hoch verschuldeten Sylvarien, scheint das ­passende Wettobjekt gefunden. Die käufliche Übernahme des sylvarischen Schlosses ist mit amerikanischen Dollars rasch geregelt, das Herz des Prinzen kann Mary jedoch nicht so leicht gewinnen – immerhin schlägt das noch ganz altmodisch im Takt von Walzer und Csárdás und kann dem neuen Beat von Charleston und Foxtrott nur wenig abgewinnen. Als es wider Erwarten doch noch zu einer Annäherung zwischen alter und neuer Welt kommt, stellt sich schließlich die alles entscheidende Frage: Geld oder Liebe ... oder beides?Emmerich Kálmán komponiert in seiner »­Herzogin von Chicago« einen musikalisch höchst ­amüsanten Clash of Cultures, in dem Jazz und Slowfox gegen ­Wiener Walzer und Csárdás antreten. Neunzig Jahre nach ihrer Uraufführung kommt diese Operetten­rarität in einer Inszenierung von Regisseur und Schauspieler Ulrich Wiggers nun erstmals an die Musi­ka­lische Komödie.

Leipzig-Premiere | Mit seiner neuen Bühnenproduktion „All Inclusive“ setzt Julian Hetzel nach „The Automated Sniper“ seine kritische Auseinandersetzung mit dem Thema der strategischen Kriegsführung fort, indem er sich auf die Produktion von Bildern der Gewalt konzentriert. „All Inclusive“ analysiert, wie Darstellungen von Gewalt erzeugt und konsumiert werden und wie das paradoxe Prinzip der Bildproduktion durch ikonoklastische Bilderzerstörung funktioniert.Spätestens seit den jüngsten Bilderstürmen des IS-Terrorismus auf Kulturgüter im Nahen Osten wurde deutlich, dass durch den Akt der Bilderzerstörung neue Bilder produziert werden. Diese beziehen ihre Sprengkraft erst parasitär aus der ikonographischen Bedeutung der zerstörten Objekte. Ein Bild zu zerstören bedeutet, die Macht des Bildes, das ausgemerzt werden soll, anzuerkennen. Hetzel kontrastiert die Gewalt gegen Bilder mit dem Motiv des Touristen, der als Jäger und Sammler Bilder mit der Kamera einfängt. Tourismus und Ikonoklasmus stellt er als Strategien der Bilderjagd nebeneinander. Die Performance wirft ein Licht auf die Transformation von Medienbildern in marktkonforme Ikonen sowie auf die Ästhetisierung von Gewalt.„All Inclusive“ kombiniert Theater, Performance und bildende Kunst zu einer hybriden Erfahrung. Das Publikum wird von den PerformerInnen auf der Bühne durch ein Panoptikum von sich ständig wandelnden Bildern geführt.

anlässlich des 25. Jubiläums der Städtepartnerschaft Leipzig - Houston | 3-teiliger Ballettabend von Uwe Scholz, Stanton Welch am und Mario Schröder / Musik von Ludwig van Beethoven, Maurice Ravel u. a.Siebte Symphonie: Ballett von Uwe Scholz | Musik von Ludwig van BeethovenTU TU: Ballett von Stanton Welch am | Musik von Maurice Ravel

Opernpremiere | Oper in drei Akten | Text von Henri Meilhac und Ludovic Halévy nach der gleichnamigen Novelle von Prosper Mérimée | In französischer Sprache mit deutschen Übertiteln

Premiere | Von der Wirtin auf die Straße gesetzt, hatte Christopher Schlau nur seinen Rausch ausschlafen wollen. Doch dieser Schlummer wird ihm zum Fiebertraum gemacht. Beim Aufwachen gaukelt man ihm vor, er sei ein Edelmann, der jahrelang in der wirren Vorstellung gelebt habe, ein armer Teufel zu sein. Und dann klopft eine umherziehende Schauspieltruppe an die Tür, um dem vermeintlichen Lord ihre neueste Komödie aufzuführen: eine Geschichte über Widerspenstige und deren Zähmung, über das Heiraten und die Liebe. Doch in Padua, wo die Geschichte spielt, scheinen auf dem Marktplatz der Liebe besondere Gesetze zu herrschen. Wer hält dort um wessen Hand an? Und wer verhandelt wessen Mitgift? Männer und Frauen spielen ganz andere Rollen als die, die Schlau von ihnen erwartet hätte. Sonst würde die Geschichte sich nämlich so zutragen:Baptista Minola hat zwei schöne Töchter und eine klare Vorstellung davon, wie sie an den Mann zu bringen sind. Die liebreizende jüngere Tochter scheint ein Juwel unter all den Frauen im heiratsfähigen Alter zu sein, denn zahlreiche Bewerber freien um die sanfte Bianca. Die ältere Tochter Katharina hingegen will sich überhaupt nicht in die Ehe verfrachten lassen. Sie wählt den Angriff. Aufgrund ihrer Schlagfertigkeit, ihrer verbalen wie körperlichen Frontalattacken ist Käthchen in Padua gefürchtet.Minola beschließt, dass Bianca erst dann heiraten soll, wenn sich auch für Katharina ein Mann gefunden hat. Um Bianca weiterhin nur irgendwie nahe zu kommen, entwickelt die Männerwelt ein komplexes Rollenspiel und setzt bezüglich Katharina alle Hoffnung in einen Mann, der gerade aus Verona eingetroffen ist: Petrucchio. Er hat das widerspenstige Käthchen zwar noch nie gesehen, doch die Schilderungen ihres ungestümen Temperaments und ihrer Mitgift begeistern ihn so sehr, dass er beschließt, sie zu heiraten.Und so trifft Käthchen zum ersten Mal auf einen Mann, der ihr gewachsen ist. Ebenbürtig sind sich diese beiden Partner in ihrem herausfordernden Humor, in ihrer Lust an der Grenzüberschreitung, doch vor allem in ihrem Widerstand gegen den Rest der Welt, der ihre Liebe schließlich bedingungslos und wirklichkeitsverändernd macht.Shakespeares frühe Komödie beschreibt die Liebe als ein sadistisches Spiel, das die Geschlechter miteinander treiben, als einen Wert, der mit kapitalistischen Marktmechanismen in Verbindung gebracht wird, aber auch als fieberhaften Traum von einer bedingungslosen Zusammengehörigkeit jenseits gesellschaftlicher Konventionen, der keine Auflösung erfährt. Moritz Sostmann, der in der Spielzeit 2017 / 2018 mit „Sechs Personen suchen einen Autor“ seinen erfolgreichen Einstand als Regisseur am Schauspiel Leipzig feierte, inszeniert jenen Traum unter geänderten Vorzeichen der geschlechtlichen Machtverhältnisse.

PREMIERE! Nach dem Roman von Hans Fallada / Armin Petras | Berlin, 1940: Das ältere Ehepaar Otto und Anna Quangel lebt zurückgezogen, als sie die Nachricht erreicht, dass ihr Sohn an der Front gestorben ist. Vom Tod ihres einzigen Kindes zutiefst erschüttert, wächst ihr Zweifel am diktatorischen Regime und sie beschließen, Widerstand zu wagen: Sie verteilen Postkarten, auf denen sie zum Aufstand gegen das Naziregime und dessen Kriegstreiberei aufrufen — in dem Glauben, ihren Mitmenschen auf diesem Weg die Augen zu öffnen …Indem „Jeder stirbt für sich allein“ die Verzweiflung und Hilflosigkeit der Quangels sowie die Emotionen ihres Umfelds, die von Angst über Feigheit bis zu Hass reichen, einfängt, entsteht ein Panorama des Lebens im Nationalsozialismus, das durch eine beinahe banale Schonungslosigkeit besticht. Nur am Ende blitzt inmitten aller Ausweglosigkeit tatsächlich eine zarte Hoffnung auf: dass auch aussichtslose Taten nicht vergeblich sind, wenn sie Selbstbestimmung verheißen.Hans Fallada, eigentlich Rudolf Ditzen, schrieb diesen Roman, der auf einer wahren Begebenheit beruht, 1946 in lediglich vier Wochen und erlebte dessen Publikation nicht mehr.Leipzig in den 1930ern: Die Gestapo beobachtet vermehrt Jugendgruppen, die den öffentlichen Raum besetzen und durch einheitliche Kleidung und selbst gemachte Abzeichen auffallen. Es sind Mitglieder der „Leipziger Meuten“, der ersten bekannten deutschen oppositionellen Jugendbewegung, die bis zu 1.500 Mitglieder zählt und sich als subversive Alternative zur Hitlerjugend gründet — mit dem Ziel, die eigene Autonomie zu bewahren.Ende der 1930er werden Wortführer der Leipziger Meuten unter dem Vorwurf, einen kommunistischen Umsturz zu planen, durch Gestapo, Justiz und Jugendämter verfolgt und zu Gefängnisstrafen verurteilt; einige werden ins KZ Buchenwald gebracht. Doch die Meuten gibt es weiterhin.Berlin 1940 und Leipzig in den 1930ern — Falladas „Jeder stirbt für sich allein“ und das historische Phänomen der Leipziger Meuten. Beide verhandeln Opposition zur Zeit des Nationalsozialismus, einerseits in der Generation der Eltern, andererseits in der Generation der Jugendlichen. Und beiden geht es dabei nicht primär um einen politischen Akt, sondern zuallererst um die Möglichkeit, sich angesichts des diktatorischen Systems für ihre Autonomie und Selbstbestimmung einzusetzen. Aus der Kombination beider Stoffe entsteht ein Spannungsfeld zwischen der Verantwortung des Einzelnen und der Kraft einer Gruppe.Das Schauspiel Leipzig setzt mit der Verschränkung von Falladas Roman „Jeder stirbt für sich allein“ und der historischen Realität der Leipziger Meuten seinen Weg der Doppelbefragung fort.

Musical in zwei Akten | Genau vierundzwanzig Stunden Zeit haben die drei Matrosen Gabey, Chip und Ozzie, um sich bei ­einem Landgang in das pralle Leben der amerikanischen Metropole New York zu stürzen. Natürlich saßen die drei Matrosen in Sachen Frauen lange Zeit auf dem Trockenen und natürlich hoffen sie auf das schnelle Abenteuer. Chip wird von der draufgängerischen Taxi­fahrerin Hildy abgeschleppt, Frauenheld Ozzie landet ausgerechnet bei Claire, Studentin der Anthropologie. Und zu allem Überfluss verguckt sich Gabey in die Werbeschönheit Ivy, die ihm als »Miss U-Bahn des Juni« von einem Plakat aus zulächelt. Vierundzwanzig Stunden können verdammt kurz sein! Und so heißt es auch schon bald wieder Abschied ­nehmen von den drei Eroberungen. Doch der Abschiedsschmerz hält nicht lange an, denn auf die ­Ladies warten bereits die nächsten abenteuerlustigen Matrosen ...Das Leben im Hier und Jetzt zu genießen, das ist die große Botschaft von Leonard Bernsteins Hommage an New York. Lange vor dem Zeitalter der ­sexuellen Revolution schreibt er ein Musical über die Unbeschwertheit der Jugend und stellt dabei zugleich überkommene Rollenmuster in Frage. Da geht nicht nur musikalisch die Post ab!

Premiere, Uraufführung | Ein Flughafen, klassischer Nicht-Ort der Spätmoderne. Immer noch. Riesige Wartehallen mit billigen Möbeln, dazwischen stilechte Irish Pubs, Raucherbereiche, tote Gänge, dazwischen Passagiere, Reisende, Handelsvertreter, Musiker, Journalistinnen, Kaffeeverkäufer, McDonald’s, Soldaten, Duty Free Stores, Sicherheitskräfte, Gepäckträger, Flugbegleiter, Stewardessen, Pilotinnen … Vorüberziehen einer Welt in Bewegung — und irgendwo dazwischen fangen ein paar der Vorüberziehenden an, miteinander zu sprechen, von verpassten Anschlussflügen wird erzählt, von Vulkanausbrüchen, von Streiks und wetterbedingten Irrflügen, oder von Flügen nach ganz woanders hin.Und eine erzählt davon, wie sie schwanger wurde, damals, als Vertragsarbeiterin, als die sie in die DDR geholt wurde, mit dem großen Versprechen von Austausch und Bildung und Bruderland, aber eigentlich nichts davon mitbekommen hat, exakt festgelegt war ihr Leben, fünf Quadratmeter pro Person, die Entfernung zum Betrieb nicht länger als 40 Minuten, bis sie allerdings schwanger wurde, von einem der deutschen Kollegen, was ja gar nicht erlaubt war.Und ein anderer, dessen Vater als Madgerman aus dem Bürgerkriegsland Mosambik in die DDR geflogen wurde, der erzählt vom künstlichen Menschen, dem Fragen nach Heimat egal sein werden, der ihn vorstellt, den künstlichen Menschen in naher Zukunft, wo nicht nur Heimat und Identität vollkommen flüssige Begriffe geworden sein werden, sondern auch Nationen, und stattdessen Monopole und Marken die neuen Identitätsstifter sein werden.Thomas Köck setzt in diesem Auftragswerk für das Schauspiel Leipzig bei den Herkunftsländern und Biographien der DDR-VertragsarbeiterInnen und ihren Nachkommen an, um in einem vielstimmigen Panorama die großen Migrationsbewegungen bis ins Heute zu verfolgen und der Frage nachzugehen, wo das vermeintliche Zusammenrücken der Welt, die Globalisierung, das Weltweitwerden, der Austausch zwischen den Kulturen eigentlich anfängt.Nach dem Leipziger Nachspiel von „paradies fluten (verirrte sinfonie)“ ist „atlas“ das zweite Stück von Thomas Köck, das in der Diskothek zur Aufführung kommt. Thomas Köck wurde für seine Theatertexte bereits mehrfach ausgezeichnet, unter anderem mit dem Kleist-Förderpreis, dem Dramatikerpreis der österreichischen Theaterallianz und dem Stückepreis des Else-Lasker-Schüler-Dramatikerpreises. Seine Stücke werden u. a. am Burgtheater und am Schauspielhaus Wien, am Nationaltheater Mannheim und am Staatstheater Karlsruhe gespielt.Der Hausregisseur des Schauspiel Leipzig Philipp Preuss inszeniert mit „atlas“ zum ersten Mal in der Diskothek, der Spielstätte für Gegenwartsdramatik.

Ballett von Mario Schröder | Musik von Johann Sebastian Bach und CocoRosie | Libretto von Thilo Reinhardt | Choreografische Uraufführung

Premiere, Uraufführung | Wolfram Höll schreibt ein Stück für die neue Spielstätte Diskothek, das „Disko“ heißt, das in einer Disko spielt, in einer Disko gespielt wird und das selbst wie Disko funktioniert: Wo Figuren und ihre Sätze immer wieder neu kombiniert werden und man mitgerissen wird. Es greift das Strukturprinzip von Housemusik auf — eine sehr gradlinige Musik, bei der sich aber alle acht Takte etwas ändert, entweder kommt ein neues Element, ein neues Sample hinzu oder eins verschwindet, und nach und nach wird alles immer wieder anders kombiniert. Höll schreibt keinen Text über Housemusik, sondern ein Stück, das selbst House ist. Um die Welt. Herzen Beten Fasten Strafen. Da liegt ein Mörder auf dem Tanzflor.Dies ist der vierte Theatertext von Wolfram Höll und dabei bereits der dritte, der am Schauspiel Leipzig zur Uraufführung kommt. Seine Stücke sind extrem verdichtet und weisen Höll als einen der formal-poetisch radikalsten deutschsprachigen Dramatiker aus. 2014 und 2016 wurde er mit dem Mülheimer Dramatikerpreis ausgezeichnet — für ebenjene Leipziger Uraufführungen: „Und dann“ und „Drei sind wir“.Der bulgarische Regisseur Ivan Panteleev inszenierte Texte von Tschechow, Joyce, Pirandello, Goethe, Müller, Welsh in Sofia, Avignon, Riga, Stockholm und Zürich und arbeitet in Deutschland u. a. an der Volksbühne Berlin, am Residenz­theater München sowie regelmäßig am Deutschen Theater Berlin. Mit seiner Berliner Inszenierung von Samuel Becketts „Warten auf Godot“ war er zum Berliner Theatertreffen 2015 eingeladen. Er realisierte einen Dokumentarfilm über Dimiter Gotscheff, schreibt eigene Theaterstücke und stellt sich mit der Inszenierung dieses Auftragswerks von Wolfram Höll erstmals dem Leipziger Publikum vor.

Eine Jugendclub-Inszenierung über das Phänomen jugendlicher Protestbewegungen | »Eine wütende Generation macht ihrem Ärger Luft!« oder »Protest mit Zahnspange und Smartphone!«. Die Medien sind aktuell voll von jungen Helden: Xiuhtezcatl Martinez (17) etwa kämpft gegen Energiekonzerne in den USA; Joshua Wong (17) wiederum in Hongkong gegen den Einfluss der chinesischen Regierung. Die Pakistanerin Malala Yousafzai prangerte mit 11 Jahren das Unrecht der Taliban an und gewinnt mit 16 den Friedensnobelpreis. Immer häufiger bewegen momentan Kinder und Jugendliche die Massen und das oft in Bereichen, in denen Erwachsene jahrzentelang versucht haben, einen Wandel zu bewirken. Dass solche Phänomene irgendwie auch nicht neu sind, zeigt ein Blick in die Geschichte (z.B. die 68-er Bewegung oder die »Leipziger Meuten« in den 1930er Jahren).Sind Kinder und Jugendliche also seit jeher die perfekteren Helden, konsequenteren Protestler und besseren Utopisten? Sind sie »rebels just for kicks now« zielen sie auf nachhaltige Veränderungen ab? Was macht einen jungen Menschen zum Gegner oder Mitläufer einer Gesellschaft? Und was tut die nachfolgende Helden-Generation, wenn die alten »jungen« Helden ernüchtert feststellen, dass die Welt nicht so leicht zu verändern ist?

Opernpremiere | Romantische Oper in drei Aufzügen | Text vom Komponisten | In deutscher Sprache mit Übertiteln

PREMIERE! Deutsch von Nina Adler | St. Cloud, eine Kleinstadt irgendwo an der Küste Floridas: Der nicht mehr ganz junge Beau Chance Wayne, einst Objekt der Begierde der halben Stadt, kehrt zurück an seinen Geburtsort. Seine Schauspielkarriere ist gescheitert, bevor sie eigentlich losging, und nun lebt er davon, einsamen Herzen die große Liebe vorzuspielen. Aktuell ist er der Spielgefährte des alternden Hollywoodstars Alexandra del Lago, so abgebrüht wie tablettensüchtig, ihrerseits inkognito als Prinzessin Kosmonopolis auf der Flucht vor dem Scherbenhaufen ihres einstigen Ruhms. Wayne hofft, durch sie endlich an ein lukratives Engagement zu kommen — und dadurch seine Jugendliebe Heavenly aus dem Kleinstadtmief zu befreien. Was er nicht weiß: Ihre vergangene Beziehung hat bei der Angebeteten nachhaltige gesundheitliche Spuren hinterlassen, und ihrem Vater, dem brutalen Emporkömmling und reaktionären Politrüpel Tom „Boss“ Finley, ist jedes Mittel recht, den ungeliebten Schatten der Vergangenheit wieder loszuwerden. Denn die Erinnerung an die „Besudelung“ seiner Tochter kann Finley gar nicht gebrauchen, steht sein Wahlprogramm doch für Law & Order und moralische sowie rassische Reinheit.Tennessee Williams zeichnet in „Süßer Vogel Jugend“ das Bild einer durch und durch narzisstischen, von Gewalt und Verachtung durchzogenen Gesellschaft, in welcher der andere immer nur Mittel zum Zweck ist. Eine zynische und brutalisierte Politik bildet den Hintergrund des moralischen Verfalls der Menschen in St. Cloud, wo die Möglichkeit eines sanfteren Miteinanders höchstens in einer verblassenden Erinnerung, flüchtig wie der titelgebende Vogel, aufblitzt — oder in der sentimentalen Anerkennung eines gemeinsamen Gescheitertseins. Aber am Ende, so weiß Alexandra del Lago, kann in dieser unbarmherzigen Welt doch nur eine(r) bestehen: die „Oberbestie unter Kannibalen“.

Musikalische Komödie in drei Akten nach einem Lustspiel von Emil Sautter | Der Fabrikant Albert Oberholzer feiert im Kreise der Familie seinen 60. Geburtstag. Da taucht plötzlich sein unliebsamer Bruder, der Zirkusdirektor ­Alexander Oberholzer alias Obolski, mit seiner Frau Iduna auf. Während die beiden die übrige Verwandtschaft mit ­ihren Abenteuer-Geschichten schockieren, ist ­Tochter Anna fasziniert und taucht in ihren Träumen voll­ständig ein in die zauberhafte Welt der Clowns, ­Artisten und Tiere. Sie beschließt, ihr beengtes bürgerliches ­Leben hinter sich zu lassen und sich dem Zirkus anzuschließen. Doch was wird aus dem Gärtner Robert, der von einer gemeinsamen Zukunft mit der jungen Frau träumt?

Premiere | Wir leben in einer Welt, in der der Verlust des Kindergartenplatzes eine existenzielle Bedrohung darstellt. Mit dieser schlaglichtartigen Erkenntnis beginnt Bernhard Studlar seine Reise durch die Nacht in einer nicht näher benannten Großstadt, in der eine Reihe schillernder Figuren aufeinanderstoßen — da ist der Familienvater, der zum Messermörder wird, der Kredithai, der hinter seiner professionellen Brutalität ein liebendes Vaterherz verbirgt, eine Notärztin am Rande des Nervenzusammenbruchs, ein demaskierter Engel und der Tod höchstselbst in der Maske eines Haustechnikers. Sie alle kämpfen um ein kleines bisschen festen Boden unter den Füßen angesichts einer immer brüchiger werdenden Zivilisationsoberfläche — ein Tanz auf dem Vulkan, der mal an Schnitzlers „Reigen“, mal an einen makabren Totentanz gemahnt. Manche der Figuren werden den Morgen nicht mehr erleben, und keiner wird nach dieser Nacht mehr der sein, der er war.Bernhard Studlars Figuren sind subtil unserer brüchigen Gegenwart abgelauscht — und sind bei aller Wirklichkeitshaftung immer durchzogen von einem Hauch von Phantastik, die sie in ein verzauberndes Spiegelbild blicken lässt, das vielleicht so etwas wie eine sich doch erfüllende Sehnsucht verheißt.„Nacht ohne Sterne“ erlebte seine Uraufführung 2017 als Auftragswerk am Nationaltheater Bratislava; das Schauspiel Leipzig realisiert nun die Deutschsprachige Erstaufführung. Von Bernhard Studlar war 2015 bereits die Uraufführung von „Die Ermüdeten oder Das Etwas, das wir sind“ am Schauspiel Leipzig zu erleben; die Produktion ist nach wie vor im Repertoire der Diskothek.

Premiere | Der preußische Reitergeneral Prinz Friedrich von Homburg soll sich auf die bevorstehende Schlacht gegen das schwedische Heer vorbereiten, wird stattdessen aber vom Kurfürsten und dessen Hofstaat schlafwandelnd aufgefunden. Der Kurfürst möchte den träumerischen Zustand Homburgs ausnutzen und unterzieht ihn einer Prüfung, in deren Verlauf Homburg seine innersten Wünsche preisgibt: Er spricht Natalie, die Nichte des Kurfürsten, als Braut und den Kurfürsten als Vater an. Bevor sich ihm beide entziehen können, streift er Natalie einen Handschuh ab.Nach dem Erwachen findet Homburg keine Erklärung für das Erlebte und überhört, mit den Gedanken einzig bei dem wundersamen Handschuh in seinen Händen, den Angriffsplan der bevorstehenden Schlacht gegen das schwedische Heer: erst auf ausdrücklichen Befehl einzugreifen. Und so schreitet Homburg verfrüht in die Schlacht ein und erreicht zwar einen Teilsieg, wird aber aufgrund der Gehorsamsverweigerung zum Tode verurteilt.Angesichts des Todesurteils verlassen ihn alle Gewissheiten: Er bittet um sein Leben, bereit, all seine Posten niederzulegen und einer Heirat mit Natalie abzuschwören — nur leben will er dürfen. Der Kurfürst entscheidet sich schließlich, den Prinzen unter einer Voraussetzung zu begnadigen: dass dieser den Urteilsspruch für ungerecht erklärt. Doch das kann Homburg nicht mit seinem Gewissen vereinbaren. So erkennt er das Urteil an und entschließt sich für den Tod …Prinz, Heeresführer, Kriegsheld und zugleich Außenseiter, Träumer, Phantast — sowie zum Tode Verurteilter. Heinrich von Kleists „Prinz Friedrich von Homburg“ zeichnet einen von Widersprüchlichkeiten Zerrissenen, der seine inneren Wunschbilder nicht mit der äußeren Wirklichkeit, seine reiche Traumwelt nicht mit der drohenden Hinrichtung zu vereinen vermag.Kleist bezieht sich zwar auf historische Personen und Geschehnisse, nimmt sich aber große Freiheiten, um den Konflikt um den Prinzen von Homburg zuzuspitzen. Auch Kleist selbst scheint diese Zerrissenheit, die er in seinem Protagonisten formt, nicht fremd gewesen zu sein. Vier Monate nachdem er dieses Drama — sein letztes — vollendet hat, nimmt sich der nur 34-Jährige das Leben.

Clara Schumann Wunderkind: Ein Theaterstück mit Musik | Uraufführung | Happy Birthday to you, hoch soll sie leben und wir grahatuliehieren! Ihren 200. (!) Geburtstag würde Clara Schumann 2019 feiern - Grund genug für ganz Leipzig, künstlerisch und musikalisch gesehen, kräftig in die Tasten zu hauen und die Urleipzigerin und Ausnahmepianistin leipzigweit hochleben zu lassen. Selbstverständlich spielt Clara Schumann auch am TdJW die »die erste Geige«, wo wir ihr mit einem nigelnagelneuen Stück mit - natürlich - MusikMusikMusik ein standesgemäßes Musikerinnengeburtstagsgeschenk machen!Heißt das jetzt, ein verstaubtes »Alles Gute zum Geburtstag, altes Haus«, oder was?Mitnichten! Was interessieren uns 200 Jahre! Wir wollen Clara in jung! Wir wollen Clara unchained! Wir wollen Clara, die bereits als Neunjährige wunderkind-like im Leipziger Gewandhaus debütierte. Wir wollen Clara, die keine Konkurrenz scheut. Wir wollen die rasante Clara, die »mehr Kraft hat als sechs Knaben zusammen!« (Goethe!). Uns interessiert die Übervater-Tochter. Die Teenagerkomponistin. Die Tastenlöwin. Clara das schwärmerische It-Girl-Ideal der Romantik. Clara als avantgardistisches Musikmonster. Wir wollen selbstverständlich Clara heimlich in love mit Robert. Und natürlich wollen wir auch: Clara am Klavier!

Ein neues Stück im Theaterbus | Der vielleicht ungewöhnlichste Spielort des Theaters der Jungen Welt ist ein hoffnungsgrüner Theaterbus. Klar, Busfahren gehört für viele Menschen zum Alltag. Aber wo gibt es schon Theater im Bus? Bei uns natürlich! Unser Bus hat eine bewegte Geschichte und als ehemaliger Linienbus schon einige Mal den Äquator umrundet. Tagein, tagaus - Personenbeförderung.Doch irgendwann wurde er von uns befördert. Zum Theaterbus. Ein toller Job! Denn nun bekommt er sogar Applaus. Zuletzt für die ausgezeichnete Inszenierungen der Busstücke »Wagen 1322«, »Nach Toronto! oder meine Mutter heiratet deinen Vater« sowie die »Geschichten vom Weggehen und Ankommen«.Für die neue Produktion aber haben wir uns was ganz Besonderes ausgedacht: Ein Stück für Jugendliche und Erwachsene gleichermaßen. Dafür rollen wir unseren treuen Bus gern übers Land und können auf Anfrage bestimmt auch bei euch spielen! Theater im Bus - Rock und roll!

Operette in drei Akten | Karneval in Paris: Begehrenswert schön und abenteuer­lustig stürzt sich Madame Pompadour, Mätresse von König Ludwig xv., inkognito in das aufregende Nachtleben des »Musenstalls«. Auf der Suche nach einer ­prickelnden Liebschaft trifft sie dort nicht nur den aufsässigen Dichter Calicot, der frivole Spottlieder auf sie singt, sondern auch den Grafen René, der ebenfalls ­unerkannt eine Auszeit vom faden Land- und Ehe­leben nimmt. Mitten in den amourösen ­Verwicklungen versucht der tölpische Polizeiminister Maurepas die ­Pompadour in flagranti zu erwischen und sie damit beim König bloßzustellen. Doch Madame ist nicht nur schön, sondern auch gewitzt: Einfallsreich gelingt es ihr, Calicot zum Hofdichter zu ernennen und René als ihren persönlichen Leibwächter anzustellen – selbst­verständlich mit Zugang zu ihrem Schlafzimmer. ­Einem erotischen Stelldichein stünde nun nichts mehr im Wege, wären da nicht der eifersüchtige ­König und Renés besorgte Gattin …Mit Madame Pompadour betritt als berühmtes Pendant zu Casanova nun eine der großen Verführerinnen die Bühne der Musikalischen Komödie. Nicht von ungefähr wurde Leo Falls drittletzte Operette zu seinem größten Erfolg: In ihren witzig-anzüglichen Einfällen und schwungvoll-eingängigen Melodien wie »Joseph, ach Joseph, was bist du so keusch« zeichnen sich vor dem Hintergrund des umtriebigen ­Pariser Rokoko die freizügigen Zwanzigerjahre ihrer Entstehungszeit ab.

Opernpremiere | Komisches Singspiel in drei Akten | Text von Karel Sabina Deutsch von Max Kalbeck | In deutscher Sprache mit Übertiteln

Nach dem Roman »The Man Who Fell To Earth” | Premiere | Als David Bowie 1976 in Nicolas Roegs Film „Der Mann, der vom Himmel fiel“ als Thomas Jerome Newton zu sehen war, schien es manchem Zuschauer, als spiele der britische Sänger sich schlicht selbst. Die Rolle des Außerirdischen, dem die Erdschwerkraft mitunter zu viel wird, schien Bowie mit seiner ätherischen Erscheinung wie auf den Leib geschrieben — und das nicht nur aufgrund seiner Körperlichkeit: Das Thema des Fremden, der in einer profitgierigen Welt strandet, an der er schließlich — trotz großen Erfolges — zerbricht, war Bowie selbst sicher nur allzu vertraut.Und es ist sicherlich kein Zufall, dass von allen Masken und Metamorphosen des Ausnahmekünstlers Bowie ausgerechnet diese eine späte Auferstehung feiert. Vierzig Jahre nach dem Film plant Bowie, Thomas Jerome Newton ein neues Projekt zu widmen: eine Fortsetzung der Story als Musical. Gemeinsam mit dem irischen Dramatiker Enda Walsh entwirft er die Vision eines Newton, der, alterslos und unfähig zu sterben, nur noch Gin trinkend und synthetische Süßigkeiten verschlingend vor dem Fernseher sitzt. Um ihn herum führen reale und imaginäre Figuren Szenen aus Newtons Vergangenheit auf und lassen gleichzeitig die Gegenwart zu einem rätselhaft-verworrenen „Fiebertraum“ (Enda Walsh) werden. Ein namen- und schicksalloses Mädchen gibt ihm die Hoffnung, doch noch auf seinen Heimatplaneten zurückkehren zu können. Die halluzinogene Reise Newtons in die Abgründe seines Seins wird getragen von der gleichzeitig hymnischen und ätherischen Musik David Bowies — Welthits wie „Life on Mars?“, „Absolute Beginners“ und „Sound and Vision“ werden ergänzt von eigens für das Musical entstandenen Songs — den letzten, die Bowie geschrieben hat.Denn zur gleichen Zeit, als Bowie dieses, sein letztes großes Projekt in Angriff nimmt, wird Krebs bei ihm diagnostiziert; nur wenige Wochen nach der Uraufführung stirbt „Der Mann, der vom Himmel fiel“ — und so wird die Wiederbegegnung mit Newton zu Bowies künstlerischem Vermächtnis, zu einem Requiem für sich selbst. Ein kühl-melancholischer Rückblick, gleichzeitig eine Abrechnung mit dem Abschiednehmen und eine Feier des Eigensinns, des Andersseins. Als David Bowie 1976 in Nicolas Roegs Film „Der Mann, der vom Himmel fiel“ als Thomas Jerome Newton zu sehen war, schien es manchem Zuschauer, als spiele der britische Sänger sich schlicht selbst. Die Rolle des Außerirdischen, dem die Erdschwerkraft mitunter zu viel wird, schien Bowie mit seiner ätherischen Erscheinung wie auf den Leib geschrieben — und das nicht nur aufgrund seiner Körperlichkeit: Das Thema des Fremden, der in einer profitgierigen Welt strandet, an der er schließlich — trotz großen Erfolges — zerbricht, war Bowie selbst sicher nur allzu vertraut.Und es ist sicherlich kein Zufall, dass von allen Masken und Metamorphosen des Ausnahmekünstlers Bowie ausgerechnet diese eine späte Auferstehung feiert. Vierzig Jahre nach dem Film plant Bowie, Thomas Jerome Newton ein neues Projekt zu widmen: eine Fortsetzung der Story als Musical. Gemeinsam mit dem irischen Dramatiker Enda Walsh entwirft er die Vision eines Newton, der, alterslos und unfähig zu sterben, nur noch Gin trinkend und synthetische Süßigkeiten verschlingend vor dem Fernseher sitzt. Um ihn herum führen reale und imaginäre Figuren Szenen aus Newtons Vergangenheit auf und lassen gleichzeitig die Gegenwart zu einem rätselhaft-verworrenen „Fiebertraum“ (Enda Walsh) werden. Ein namen- und schicksalloses Mädchen gibt ihm die Hoffnung, doch noch auf seinen Heimatplaneten zurückkehren zu können. Die halluzinogene Reise Newtons in die Abgründe seines Seins wird getragen von der gleichzeitig hymnischen und ätherischen Musik David Bowies — Welthits wie „Life on Mars?“, „Absolute Beginners“ und „Sound and Vision“ werden ergänzt von eigens für das Musical entstandenen Songs — den letzten, die Bowie geschrieben hat.Denn zur gleichen Zeit, als Bowie dieses, sein letztes großes Projekt in Angriff nimmt, wird Krebs bei ihm diagnostiziert; nur wenige Wochen nach der Uraufführung stirbt „Der Mann, der vom Himmel fiel“ — und so wird die Wiederbegegnung mit Newton zu Bowies künstlerischem Vermächtnis, zu einem Requiem für sich selbst. Ein kühl-melancholischer Rückblick, gleichzeitig eine Abrechnung mit dem Abschiednehmen und eine Feier des Eigensinns, des Andersseins.